Декорационное искусство

(от латинского decorо — украшаю)

Искусство создания зрительного образа спектакля посредством декораций и костюмов, освещения и постановочной техники. Декорационное искусство способствует раскрытию содержания и стиля театрального представления, усиливает его воздействие на зрителя. Элементами декорационного искусства являются костюмы, маски и т.д. Также имеет названия "театрально-декорационное искусство", "сценография".

Развитие театрально-декорационного искусства обусловлено развитием театра, драматургии, изобразительного искусства. Элементы театрально-декорационного искусства зародились в древнейших обрядах, играх. В древнегреческом театре уже в V веке до н.э., помимо сцены, существовали объемные декорации, которые в эпоху эллинизма совмещались с живописными. Принципы древнегреческого театра были усвоены театром Древнего Рима, где стал применяться занавес. Существовавший в античности принцип симультанной декорации (одновременный показ всех мест действия) стал характерным для европейского средневекового театра, где первоначально фоном церковного мистериального действия служил интерьер, а затем наружная стена храма. 

Во время расцвета искусства Италии эпохи Возрождения сложился тип архитектурно-перспективной декорации, изображающей городскую площадь или уходящую вдаль улицу. Она создавалась с помощью расписанных, натянутых на рамы холстов, воспроизводивших одно неизменное место действия (Браманте, Б. Перуцци, С. Серлио). С начала XVII века все шире использовались сценические механизмы; применение вращающихся трехгранных призм - телариев позволяло осуществлять смену декораций на глазах у публики (итальянцы Буонталенти, Н. Саббатини, немец Й. Фуртенбах). Усовершенствование техники привело к созданию системы кулис (итальянец Дж. Алеотти) и "сцены-коробки". С середины XVII века итальянская система кулисно-арочной декорации (Дж. Торелли, Л.О. Бурначини и др.) распространилась по всей Европе.

В Великобритании в эпоху Возрождения сложился особый тип театрального здания и сценической площадки ("елизаветинская", или "шекспировская", сцена), расчлененной на верхнюю, нижнюю и заднюю сцены, с выдающимся в зрительный зал просцениумом. В эпоху классицизма драматургический канон единства места и времени действия обусловил утверждение принципа несменяемой декорации; богатство постановочных эффектов сосредотачивалось на оперно-балетной сцене. В XVII-XVIII веках в ряде стран Азии кризис феодальной идеологии сделал возможными нововведения в театрально-декорационное искусство. В Японии сооружались здания для театров Кабуки, сцена которых имела просцениум, горизонтально развивающийся занавес, идущие через зал помосты ("дороги цветов"). В 1758 году здесь была введена вращающаяся сцена. Средневековые традиции плоть до XX века сохранились в театрах Индии, стран Индокитая, где оформление ограничивалось главным образом костюмами, масками, гримами. В Европе последовавшая за Великой французской революцией 1789-1794 годов демократизация театра, расширение тематики репертуара содействовали реформе театрально-декорационного искусства. В 1-й четверти XIX века Л.Ж.М. Дагер во Франции, Ч. Баркер в Великобритании демонстрировали диорамы и панорамы в сочетании с новшествами газового освещения. В последней четверти XIX века в театрально-декорационном искусстве сказалось воздействие режиссуры Мейнингенского театра в Германии, стремившейся к реформе кулисно-арочной системы (разрушение ровной поверхности планшета введением пратикаблей, использование подлинных исторических аксессуаров).

На рубеже XIX-XX веков режиссеры и художники различных стран исследовали природу и специфические законы сценического искусства, определяющие его место в ряду других видов искусств. Режиссер А. Аппиа в Швейцарии, пересмотрев разработанную Р. Вагнером концепцию театра как синтеза искусств, утверждал представление о театре как об особой структуре, в которой все ее факторы - пространство, свет, изобразительные элементы - находятся не в равноправном, а в сложноподчиненном динамическом взаимодействии между собой и главным фактором сцены - актером. Аппиа, а также режиссер и художник Г. Крэг в Великобритании утверждали новые принципы оформления, символически выражающие смысл драмы. Крэг пытался постоянную композицию из объемных форм (кубов, площадок, ступеней), трансформируемых светом, привести в движение на глазах зрителей (система ширм). В России пришедшие в театр в 1870-х годах живописцы В.Д. Поленов, В.М. Васнецов, М.А. Врубель, В.А. Серов, К.А. Коровин утверждали в театрально-декорационном искусстве принцип поэтически целостной трактовки спектакля, колористического единства декораций и костюмов.

Поиски обновления приемов, позволяющих воссоздать на сцене "жизнь человеческого духа", вел К.С. Станиславский в созданном им в 1905 году театре-студии на Поварской в Москве. Продолжая экспериментальную работу на сцене МХТ совместно с художниками В.Е. Егоровым и Н.П. Ульяновым, Станиславский привлек к сотрудничеству художников принадлежавших к объединению "Мир искусства" (М.В. Добужинский, А.Н. Бенуа и др.), работам которых была свойственна высокая живописная культура, тонкое мастерство в передаче стиля и характера искусства различных эпох. С 1910-х годов в театрально-декорационном искусстве проявились искания авангардизма. В России в декорациях экспериментальных спектаклей, выполненных художниками В.Е. Татлиным, К.С. Малевичем, И.С. Школьником и П.Н. Филововым, использовались приемы кубизма, футуризма, примитивизма и др. Развитие театрально-декорационного искусства в XX веке в целом представляет сложную картину переплетения различных художественных течений, тенденций, авторских разработок. С середины XX века обогащается сценическая техника мирового театрально-декорационного искусства: используются разнообразные фактуры "нетрадиционных" материалов (рогожи, веревки, железа, стекла, синтетических материалов), люминесцентные краски, коллажи, фото- и кинопроекции, сложная световая аппаратура (вплоть до применения лазерного луча) и др.